"El arte, en su esencia, encierra una fuerza creativa vital, una energía y sensibilidad capaces de impactar y transformar a toda una sociedad. Esta 'cultura del arte' posee un potencial de subversión necesario. Para el artista, romper con las convenciones del medio artístico puede ser crucial, impulsado por la convicción de que la potencia estética y el magnetismo de la sensibilidad deben trascender los límites del mundo artístico preestablecido, liberándose de la sugestión manipulada y las aspiraciones culturales o políticas.
Sin embargo, esta visión se enfrenta a la realidad actual: el arte habita en un medio incómodo y a veces hostil, como un espejo que refleja las contradicciones de una sociedad obsesionada con el consumo y la especulación. Este entorno no invita a la reflexión serena, sino que la ahoga. Surge entonces la pregunta: ¿deben todas las manifestaciones artísticas adoptar una postura crítica y analítica frente al sistema? La crítica y la acriticidad —entendida esta última como la ausencia de una postura crítica explícita— son simplemente estilos o categorías. La elección entre ellas recae en la subjetividad del observador, pero ambas son necesarias, complementarias y coexistentes.
Los actos antisistema, paradójicamente, apenas perturban el actual mundo del arte y su omnipresente materialidad especulativa; de hecho, lo fortalecen. Esta situación plantea un dilema complejo. El sistema necesita ese pequeño porcentaje de crítica para proyectar una imagen de apertura y tolerancia. Cada concepto tiene su lugar, y las contradicciones culturales, que se retroalimentan, crean una confusión que a veces parece un bucle sin salida, una autohipnosis que consolida el sistema. En este juego de espejos, donde la crítica alimenta al sistema que pretende desafiar, la confusión parece insalvable. Sin embargo, esta dinámica no pasa desapercibida: al menos, ahora nadie podrá alegar ignorancia sobre esta realidad."
"Art, in its essence, contains a vital creative force, an energy and sensitivity capable of impacting and transforming an entire society. This 'art culture' possesses a necessary potential for subversion. For the artist, breaking with the conventions of the artistic medium can be crucial, driven by the conviction that the aesthetic power and magnetism of sensibility must transcend the limits of the pre-established artistic world, freeing itself from manipulated suggestion and cultural or political aspirations.
However, this vision clashes with current reality: art inhabits an uncomfortable and sometimes hostile environment, like a mirror that reflects the contradictions of a society obsessed with consumption and speculation. This environment does not invite serene reflection, but rather stifles it. The question then arises: should all artistic expressions adopt a critical and analytical stance toward the system? Criticism and uncriticality—the latter understood as the absence of an explicit critical stance—are simply styles or categories. The choice between them falls on the subjectivity of the observer, but both are necessary, complementary and coexisting.
Anti-system acts, paradoxically, barely disturb the current art world and its omnipresent speculative materiality; in fact, they strengthen it. This situation poses a complex dilemma. The system needs that small percentage of criticism to project an image of openness and tolerance. Every concept has its place, and cultural contradictions, which feed off each other, create a confusion that sometimes seems like a dead end, a self-hypnosis that consolidates the system. In this game of mirrors, where criticism feeds the system it seeks to challenge, the confusion seems insurmountable. However, this dynamic does not go unnoticed: at least now no one can claim ignorance of this reality."
______________________________________artist's MANIFESTO
( co-extensivo más allá de las bellas artes contemporáneas) (co-extensive beyond cuntemporary fine arts )
Un artista y la libertad creativa An artist and creative freedom
El conjunto de artistas, por naturaleza, rechaza las reglas y las trayectorias preconcebidas. No busca encajar en moldes establecidos ni seguir caminos ya trazados. Su impulso creativo lo lleva a explorar lo desconocido, a desafiar las convenciones y a buscar nuevas formas de expresión. Sin embargo, esta libertad no implica un rechazo absoluto al conocimiento. Por el contrario, el artista necesita una base sólida, un "conocimiento profundo de la existencia", que actúe como una red de seguridad para no caer en el vacío de la ignorancia. Este conocimiento no proviene necesariamente de fuentes tradicionales o académicas, sino de una comprensión intuitiva y experiencial de la vida, incorporando observación a la propia observación. El artista aprende del mundo que lo rodea, de sus emociones, de sus fracasos y de sus triunfos. Es un eterno buscador, un explorador, supuestamente bienintencionado, de lo intangible que se materializa en su obra.
The artist, by nature, rejects rules and preconceived trajectories. He doesn't seek to fit into established molds or follow pre-established paths. His creative impulse leads him to explore the unknown, to challenge conventions, and to seek new forms of expression. However, this freedom doesn't imply an absolute rejection of knowledge. On the contrary, the artist needs a solid foundation, a "deep knowledge of existence," which acts as a safety net to prevent him from falling into the void of ignorance. This knowledge doesn't necessarily come from traditional or academic sources, but from an intuitive and experiential understanding of life. The artist learns from the world around him, from his emotions, from his failures, and from his triumphs. He is an eternal seeker, a, supposedly well-intentioned, explorer of the intangible that materializes in his work.
El artista no se somete a reglas. No sigue caminos trazados por otros. No se arrodilla ante las convenciones ni se deja domesticar por lo académico. Su libertad es sagrada, y la defiende con furia. Pero esta libertad no es un salto al vacío. El artista no es un ignorante; es un sabio que construye su propio conocimiento. No se restringe a libros viejos ni a maestros muertos. Aprende de la vida, de sus propias caídas y de sus triunfos. El artista no necesita permiso para crear. Su única regla es su intuición, su única guía es su instinto.
Arte, virtud y técnica Art, virtue and technique
El arte es, en esencia, una expresión de virtud. No se limita a la técnica, aunque esta sea su vehículo indispensable. La técnica es el medio que permite materializar la virtud en una obra, pero no es un fin en sí misma. El verdadero arte trasciende lo meramente técnico; es una manifestación del espíritu humano, una búsqueda de la verdad y la belleza. Sin embargo, no podemos subestimar la importancia de la técnica. Es a través de ella que el artista da forma a sus ideas, que convierte lo abstracto en concreto. La técnica es el puente entre la imaginación y la realidad, entre el pensamiento y la materia. Pero el fin último del arte no es dominar la técnica, sino utilizarla como herramienta para expresar algo más profundo: la virtud, la verdad, la libertad.
Art is, in essence, an expression of virtue. It is not limited to technique, although this is its indispensable vehicle. Technique is the means that allows virtue to be materialized in a work, but it is not an end in itself. True art transcends the merely technical; it is a manifestation of the human spirit, a search for truth and beauty. However, we cannot underestimate the importance of technique. It is through it that the artist gives form to his ideas, transforming the abstract into the concrete. Technique is the bridge between imagination and reality, between thought and matter. But the ultimate goal of art is not to master technique, but to use it as a tool to express something deeper: virtue, truth, freedom.
El arte no es técnica. La técnica es solo una herramienta, un medio para un fin. El verdadero arte es virtud. Es verdad. Es libertad. El artista no se jacta de su habilidad técnica; se jacta de su capacidad para trascenderla. La técnica es el martillo; el arte, la escultura. La técnica es el pincel; el arte, la obra maestra. Quien confunde técnica con arte es un artesano, no un artista. El arte no se mide por lo bien que se domina un instrumento, sino por lo profundamente que se conmueve el alma.
El binomio luz/oscuridad en el arte The light/darkness binomial in art
En el corazón del arte yace una dualidad fundamental: la luz y la oscuridad, el amor y el odio, la verdad y la mentira, la libertad y el miedo. El artista tiende hacia la luz, hacia el amor, hacia la verdad. Estas fuerzas positivas son el motor de su creatividad, la fuente de su inspiración. Sin embargo, la oscuridad también tiene un lugar en el arte. El miedo, el odio y la mentira no son simplemente obstáculos; pueden ser catalizadores para la creación. El artista enfrenta estas fuerzas negativas, las explora, las comprende y, en el proceso, las transforma. El arte no niega la oscuridad; la ilumina, la integra y, en última instancia, la trasciende. Así, el artista no solo busca la luz, sino que también ilumina las sombras, revelando la complejidad de la experiencia humana.
At the heart of art lies a fundamental duality: light and darkness, love and hate, truth and lies, freedom and fear. The artist strives toward light, toward love, toward truth. These positive forces are the driving force of his creativity, the source of his inspiration. However, darkness also has a place in art. Fear, hatred, and lies are not simply obstacles; they can be catalysts for creation. The artist confronts these negative forces, explores them, understands them, and, in the process, transforms them. Art does not negate darkness; it illuminates it, integrates it, and ultimately transcends it. Thus, the artist not only seeks light, but also illuminates the shadows, revealing the complexity of the human experience.
El artista vive en un combate constante entre la luz y la oscuridad. La luz es amor, verdad, libertad. La oscuridad es odio, mentira, miedo. El artista no huye de la oscuridad; la enfrenta. La usa. La transforma. El miedo no lo paraliza; lo impulsa. El odio no lo corroe; lo inspira. El artista no es un pacifista; es un guerrero que lucha por la verdad. Su arma es su obra, su escudo es su virtud. Y en esta batalla, no hay tregua.
Espiritualidad y materialismo en el arte Spirituality and materialism in art
En el mundo moderno, el materialismo ha desplazado el equilibrio necesario entre lo material y lo espiritual. El pensamiento occidental, dominado por la ciencia y la tecnología, ha relegado lo espiritual a un segundo plano. Sin embargo, el arte tiene el poder de restaurar este equilibrio. A través de la creación artística, el artista reconcilia lo espiritual con lo material. Transforma lo inmaterial —las ideas, las emociones, las intuiciones— en formas tangibles. Una pintura, una escultura, una pieza musical son, en última instancia, expresiones materiales de algo que trasciende la materia. El arte es, por tanto, un puente entre lo espiritual y lo material, un recordatorio de que el ser humano no es solo un cuerpo, sino también un alma.
In the modern world, materialism has displaced the necessary balance between the material and the spiritual. Western thought, dominated by science and technology, has relegated the spiritual to the background. However, art has the power to restore this balance. Through artistic creation, the artist reconciles the spiritual with the material. He transforms the immaterial—ideas, emotions, intuitions—into tangible forms. A painting, a sculpture, a piece of music are ultimately material expressions of something that transcends matter. Art is, therefore, a bridge between the spiritual and the material, a reminder that the human being is not only a body, but also a soul.
El mundo moderno está podrido de materialismo. La espiritualidad ha sido arrinconada, ridiculizada, olvidada. Pero el artista no se rinde. El arte es su grito de rebelión, su forma de decir que hay algo más que materia. El artista no crea objetos; crea puentes entre lo material y lo espiritual. Su obra no es un producto; es un acto de fe. El artista no necesita pruebas científicas para creer en lo invisible. Lo siente. Lo sabe. Y lo expresa.
Pensamiento lógico y pensamiento mágico Logical thinking and magical thinking
El pensamiento lógico y el pensamiento mágico no son opuestos, sino complementarios. El primero busca orden, racionalidad y coherencia; el segundo explora lo intuitivo, lo simbólico y lo misterioso. En el arte, ambos tipos de pensamiento se entrelazan para crear un equilibrio dinámico. El artista utiliza el pensamiento lógico para estructurar su obra, para darle forma y coherencia. Pero también se deja guiar por el pensamiento mágico, por la intuición, por lo que no puede explicarse con palabras. Este equilibrio entre lo racional y lo irracional es lo que permite al arte reflejar la complejidad de la experiencia humana. El arte no es solo una expresión de la mente, sino también del corazón y del espíritu.
Logical thinking and magical thinking are not opposites, but complementary. The former seeks order, rationality, and coherence; the latter explores the intuitive, the symbolic, and the mysterious. In art, both types of thinking intertwine to create a dynamic balance. The artist uses logical thinking to structure his or her work, to give it form and coherence. But he or she is also guided by magical thinking, by intuition, by things that cannot be explained in words. This balance between the rational and the irrational is what allows art to reflect the complexity of the human experience. Art is not only an expression of the mind, but also of the heart and spirit.
El artista no elige entre la razón y la intuición. Usa ambas. Las mezcla. Las enfrenta. El pensamiento lógico le da estructura; el pensamiento mágico le da vida. El artista no es un científico frío ni un místico delirante. Es un alquimista que transforma el caos en orden, y el orden en caos. Su obra no es perfecta; es viva. No es estática; es dinámica. El artista no busca respuestas definitivas; busca preguntas que lo despierten.
El artista como proyector difusor de luz y conocimiento The artist as a beacon of light and knowledge
El artista, en su búsqueda de la verdad, se convierte en un faro de luz y conocimiento. No es un simple creador de obras; es un explorador de lo desconocido, un buscador de sentido. Su obra no solo refleja su visión del mundo, sino que también ilumina el camino para los demás. Sin embargo, esta luz no niega la oscuridad; más bien, la integra y la comprende. El artista no teme enfrentarse a las sombras, porque sabe que es en la oscuridad donde se encuentran las respuestas más profundas. Así, el arte no es solo una expresión de la luz, sino también una exploración de la oscuridad. Es un recordatorio de que la verdad no siempre es clara, de que la belleza puede surgir de lo caótico y lo imperfecto.
The artist, in his search for truth, becomes a beacon of light and knowledge. He is not a mere creator of works; he is an explorer of the unknown, a seeker of meaning. His work not only reflects his worldview but also illuminates the path for others. However, this light does not negate the darkness; rather, it integrates and understands it. The artist is not afraid to confront the shadows, because he knows that it is in the darkness that the deepest answers lie. Thus, art is not only an expression of light but also an exploration of darkness. It is a reminder that truth is not always clear, that beauty can emerge from the chaotic and the imperfect.
El artista no es un simple creador. Es un faro. Un guía. Un rebelde. Su luz no es suave ni complaciente; es incisiva, despiadada. Ilumina lo que otros prefieren ignorar. Expone la mentira. Denuncia la injusticia. El artista no teme a la oscuridad; la desafía. La usa. La transforma. Su obra no es un refugio; es un espejo. Y en ese espejo, la sociedad se ve tal como es: bella y grotesca, luminosa y oscura.
El arte como búsqueda de justicia Art as a search for justice
El arte y la virtud aspiran a la justicia, no como un fin estático, sino como un proceso de ascenso continuo. A través de su obra, el artista cuestiona, desafía y transforma las estructuras injustas. No se conforma con el mundo tal como es; busca cambiarlo, mejorarlo, elevarlo. El arte es, en este sentido, una fuerza transformadora. No solo refleja la realidad, sino que también la cuestiona y la reinterpreta. El artista no es un mero observador; es un agente de cambio, un defensor de la verdad y la libertad. Su obra es un llamado a la acción, una invitación a mirar más allá de las apariencias y a buscar lo que está oculto.
Art and virtue aspire to justice, not as a static end, but as a process of continuous ascent. Through their work, the artist questions, challenges, and transforms unjust structures. They are not content with the world as it is; they seek to change it, improve it, elevate it. Art is, in this sense, a transformative force. It not only reflects reality but also questions and reinterprets it. The artist is not a mere observer; they are an agent of change, a defender of truth and freedom. Their work is a call to action, an invitation to look beyond appearances and seek what is hidden.
El arte no es decoración. No es entretenimiento. Es justicia. El artista no se conforma con el mundo tal como es; lo cuestiona. Lo desafía. Lo transforma. Su obra no es un lujo; es una necesidad. El artista no es un sirviente; es un revolucionario. No pide permiso; toma lo que necesita. Y lo que necesita es la verdad. La justicia. La libertad. El arte no es un pasatiempo; es un acto de rebelión.
La inmaterialidad del intelecto y la materialidad de la realidad The immateriality of the intellect and the materiality of reality
El intelecto, inmaterial por naturaleza, es el origen de la creación artística. A través de él, las ideas y las emociones se materializan en obras que dan forma a la realidad. El arte es, por tanto, un puente entre lo intangible y lo tangible, entre el pensamiento y la materia. El artista toma lo abstracto —una idea, una emoción, una intuición— y lo convierte en algo concreto, en algo que puede ser visto, escuchado, tocado. Este proceso de materialización es lo que permite al arte trascender lo meramente intelectual y convertirse en una experiencia sensorial. El arte no es solo una idea; es una experiencia, una vivencia.
The intellect, immaterial by nature, is the origin of artistic creation. Through it, ideas and emotions materialize in works that shape reality. Art is, therefore, a bridge between the intangible and the tangible, between thought and matter. The artist takes the abstract—an idea, an emotion, an intuition—and turns it into something concrete, something that can be seen, heard, and touched. This process of materialization is what allows art to transcend the merely intellectual and become a sensorial experience. Art is not just an idea; it is an experience, a lived experience.
El artista no se conforma con lo material. No se limita a lo tangible. Su obra es un puente entre lo visible y lo invisible, entre el pensamiento y la materia. El artista no crea objetos; crea experiencias. No busca la perfección; busca la verdad. Y la verdad no siempre es bella. A veces duele. A veces incomoda. Pero el artista no se calla. No se detiene. Sigue creando, porque sabe que el arte es más que materia: es vida.
El arte como expresión de la existencia Art as an expression of existence
El arte es, en última instancia, una expresión de la existencia. Es una búsqueda de sentido, un intento de comprender lo incomprensible, de dar forma a lo informe. A través del arte, el artista explora las profundidades del ser humano, ilumina las sombras y revela la belleza oculta en lo cotidiano. El arte no es solo una creación; es una revelación, un acto de amor hacia la vida. Y en este acto, el artista encuentra su verdadera libertad: la libertad de ser, de crear, de existir.
Art is, ultimately, an expression of existence. It is a search for meaning, an attempt to understand the incomprehensible, to give form to the formless. Through art, the artist explores the depths of the human being, illuminates the shadows, and reveals the hidden beauty in the everyday. Art is not just a creation; it is a revelation, an act of love for life. And in this act, the artist finds his true freedom: the freedom to be, to create, to exist.
El arte no es silencioso. No es complaciente. No es decorativo. El arte es una explosión. Un grito. Un acto de rebelión. El artista no pide perdón por existir. No pide permiso para crear. El artista es libre, y su libertad es su arma. Su obra no es un producto; es un manifiesto. Y en ese manifiesto, el artista declara su verdad: que el arte no es técnica, ni decoración, ni entretenimiento. El arte es vida. Y la vida no se domestica.
El manifiesto de Papaboule se erige como una declaración apasionada de la libertad creativa, donde el artista se despoja de las ataduras de las reglas y convenciones. Tras sus indagaciones filosóficas afirma que la intuición y el instinto se convierten en sus guías, mientras que el conocimiento se forja a través de la experiencia y la observación directa de la vida. Este rechazo a las normas establecidas no implica ignorancia, sino una sabiduría construida sobre la base del estudio y vivencias personales, donde los fracasos y los triunfos se entrelazan para dar forma a una comprensión profunda de la existencia.
En el corazón de la filosofía de Papaboule, el arte se concibe como una manifestación de la virtud y la verdad, trascendiendo la mera técnica. La habilidad técnica, si bien indispensable, es solo un vehículo para expresar algo más profundo: la esencia del espíritu humano. El arte verdadero busca conmover el alma, no solo impresionar con la destreza. La dualidad de la luz y la oscuridad se presenta como un tema central, donde el artista no rehúye las fuerzas negativas, sino que las enfrenta y las transforma, iluminando las sombras y revelando la complejidad de la experiencia humana.
Papaboule aboga por una reconciliación entre lo espiritual y lo material, donde el arte actúa como un puente entre el intelecto inmaterial y la realidad tangible. En un mundo dominado por el materialismo, el arte tiene el poder de restaurar el equilibrio, transformando ideas y emociones intangibles en formas concretas. El pensamiento lógico y el mágico se entrelazan en la creación artística, donde la razón y la intuición se complementan para reflejar la complejidad de la existencia.
El artista, según Papaboule, se convierte en un faro de luz y conocimiento, iluminando la verdad y denunciando la injusticia. Su obra no es solo un reflejo de su visión del mundo, sino también un espejo que muestra la realidad en su totalidad, con sus luces y sombras. El arte se convierte en una búsqueda de justicia, una fuerza transformadora que cuestiona y desafía las estructuras injustas, impulsando el cambio y la mejora de la sociedad.
En última instancia, el arte se presenta como una expresión de la existencia misma, una búsqueda de sentido y una revelación de la belleza oculta en lo cotidiano. La libertad de ser, crear y existir se erige como la esencia del arte, un acto de amor hacia la vida que trasciende las limitaciones de la técnica y las convenciones. El artista, libre y rebelde, declara su verdad a través de su obra, un manifiesto que celebra la vida en su totalidad.
"El artista, en su búsqueda de expresión auténtica, se permite explorar más allá de las convenciones establecidas, confiando en su intuición y en la sabiduría que surge de la experiencia vivida. A través de su arte, busca manifestar virtudes y verdades profundas, utilizando la técnica como un medio para trascender lo meramente material y conectar con la esencia del ser. Reconoce la dualidad inherente a la existencia, abrazando tanto la luz como la sombra, y busca reconciliar lo espiritual con lo tangible en un mundo que a menudo prioriza lo material. El artista encuentra un equilibrio entre la razón y la intuición, permitiendo que ambos aspectos se complementen en su proceso creativo. Aspira a ser un faro de luz y conocimiento, compartiendo su visión del mundo y cuestionando las injusticias a través de su obra. En última instancia, el arte se convierte en una expresión de la existencia misma, una búsqueda de significado y una celebración de la belleza que reside en lo cotidiano."
¡Que se pudran las reglas! El artista, un ser indomable, se burla de las convenciones y escupe sobre las sendas trazadas. La intuición es su espada, el instinto su escudo, y la experiencia su campo de batalla. No busca la aprobación de los académicos ni la palmadita en la espalda de los críticos. Su conocimiento nace del fuego de la vida, de las cicatrices de las caídas y del éxtasis de los triunfos. Es un lobo solitario, un depredador de lo intangible, que convierte la realidad en su presa.
El arte no es un juego de niños, es una guerra santa. La técnica, una mera herramienta, se somete a la voluntad del artista, que la utiliza para vomitar su verdad sobre el lienzo del mundo. La virtud, la libertad, la justicia: estos son los gritos de guerra del artista, que no teme a la oscuridad, sino que la desgarra con su luz. La dualidad es su aliada, la contradicción su musa, y la complejidad humana su obsesión. No busca la belleza complaciente, sino la verdad cruda, la que duele, la que despierta.
¡El mundo está podrido de materialismo! El artista, un profeta moderno, levanta su voz contra la tiranía de lo tangible. Su obra es un puente entre lo visible y lo invisible, un portal a lo inefable. No pide permiso, exige reconocimiento. No busca seguidores, sino cómplices en su rebelión. El arte no es un pasatiempo, es un acto de resistencia, una declaración de guerra contra la mediocridad, un grito de libertad que resuena en el abismo.
PAPABOULE;XIA
El manifiesto de Papaboule es un grito en un mundo de contingencia y confrontación, contra las ataduras del arte convencional, donde el artista, un ser indomable, se rebela contra las reglas y busca la verdad en la experiencia cruda de la vida, transformando la técnica en un vehículo para expresar la virtud y la libertad, enfrentando la dualidad de la luz y la oscuridad, reconciliando lo espiritual y lo material, y utilizando el arte como un arma para denunciar la injusticia y revelar la belleza oculta en la existencia, todo ello con una audacia provocadora y un rechazo visceral a la mediocridad.
Una trayectoria que abarca desde el diseño gráfico y arte callejero hasta el arte conceptual, fusionando lo visual con lo filosófico. Su enfoque en temas como la impermanencia, la crítica social y la intersección entre el arte y la tecnología lo convierte en una figura relevante en el panorama artístico contemporáneo. Papaboule ve el arte como un acto trascendente, especialmente a través del paste up, una técnica efímera que abraza el Amor Fati (amor al destino) y el Eterno Retorno. Su obra explora la impermanencia, la vitalidad y la verdad frente al materialismo ilusorio. Aunque comenzó como artista callejero, ahora se identifica más como un artista conceptual, fusionando lo visual con lo filosófico.
Filosofía y arte
Papaboule demuestra un profundo interés por la filosofía, especialmente en conceptos como el Amor Fati (amor al destino) y el Eterno Retorno, así como sus esencias e implicaciones. Estas ideas no solo enriquecen su obra, sino que también la dotan de una capa conceptual que invita al espectador a reflexionar sobre preguntas existenciales. Su trabajo explora la naturaleza efímera de la vida y el arte, cuestionando cómo el tiempo y el cambio afectan nuestra percepción de la realidad, abriendo un extenso horizonte hacia las sabidurías perennes, puentes co-extensivos entre el dualismo y el monismo.
Técnicas y medios
Papaboule es un artista versátil que utiliza una amplia gama de técnicas y medios. Algunas de las más destacadas incluyen:
-
Plex-up: Una técnica inédita e innovadora creada por el mismo artista, una evolución del paste up callejero al arte de galería sin perder su esencia.
-
Paste up: Una técnica común en el arte callejero que consiste en pegar obras de papel en superficies públicas.
-
Stickers: Otra forma de arte callejero que permite una distribución rápida y masiva de su trabajo.
-
Arte generativo: En proyectos como el WTF Generative Art Project, Papaboule explora la creación de arte mediante algoritmos, lo que cuestiona la autoría y la originalidad en el arte digital.
Crítica social
Uno de los aspectos más llamativos de su obra es su compromiso con la crítica social. Proyectos como el Skull Zombie Project utilizan el arte para cuestionar temas como la conformidad, la deshumanización y el control en la sociedad moderna. A través de imágenes impactantes y simbólicas, Papaboule invita al espectador a reflexionar sobre estas problemáticas.
Colaboraciones destacadas
Papaboule ha trabajado con organizaciones y marcas de renombre, lo que demuestra su capacidad para conectar con audiencias diversas. Algunas de sus colaboraciones más notables incluyen:
-
ONU (FAO): Trabajando en proyectos que combinan arte y conciencia social.
-
Ferrari y Puma: Colaboraciones que le permiten llevar su mensaje a contextos más comerciales y mainstream.
Proyectos destacados
-
WTF Generative Art Project: Este proyecto explora la creación de arte mediante algoritmos, cuestionando la autoría y la originalidad en el arte digital.
-
Skull Zombie Project: Una serie que utiliza imágenes de calaveras y zombis para criticar la deshumanización y el control social.
-
Arte callejero: Aunque ha evolucionado hacia el arte conceptual, sus raíces en el arte callejero siguen siendo una parte fundamental de su identidad artística.
La obra de Papaboule es sin duda fascinante y conceptualmente rica, pero como cualquier artista, su trabajo puede tener aspectos que podrían ser analizados críticamente o considerados como áreas de mejora desde una perspectiva constructiva:
1. Accesibilidad y comprensión
-
Posible crítica: Su obra, especialmente la que integra conceptos filosóficos como el Amor Fati o el Eterno Retorno, puede resultar difícil de entender para un público no familiarizado con estas ideas. Esto podría limitar su capacidad para conectar con audiencias más amplias.
-
Mejora sugerida: Podría explorar formas de hacer su mensaje más accesible sin perder profundidad, tal vez mediante explicaciones complementarias, talleres o materiales educativos que acompañen sus exposiciones.
2. Efemeralidad del arte callejero
-
Posible crítica: Aunque la naturaleza efímera del paste up y los stickers es parte integral de su filosofía artística, también limita la permanencia y el impacto a largo plazo de su obra. Muchas de sus piezas pueden perderse o ser destruidas sin dejar un registro duradero.
-
Mejora sugerida: Podría considerar documentar más exhaustivamente sus intervenciones callejeras (fotografías, vídeos, archivos digitales) para preservar su legado y permitir que más personas las experimenten, incluso después de que desaparezcan físicamente.
3. Dependencia de la tecnología en el arte generativo
-
Posible crítica: En proyectos como el WTF Generative Art Project, la dependencia de algoritmos y tecnología podría ser vista como una limitación, especialmente si el proceso creativo se percibe como demasiado automatizado o distante de la mano del artista.
-
Mejora sugerida: Podría enfatizar más el papel del artista en la creación de los algoritmos y en la selección de los elementos visuales, destacando el equilibrio entre lo humano y lo tecnológico.
4. Repetición temática
-
Posible crítica: Aunque sus temas (como la deshumanización, la crítica social y la impermanencia) son poderosos, existe el riesgo de que se repitan demasiado, lo que podría llevar a una sensación de estancamiento o falta de innovación en su mensaje.
-
Mejora sugerida: Podría explorar nuevos temas o perspectivas que amplíen su repertorio conceptual, manteniendo su estilo distintivo pero añadiendo capas adicionales de complejidad.
5. Comercialización vs. autenticidad
-
Posible crítica: Al colaborar con grandes marcas como Ferrari o Puma, podría surgir la percepción de que su obra se está comercializando o perdiendo parte de su autenticidad como arte crítico y callejero.
-
Mejora sugerida: Podría ser más transparente sobre cómo estas colaboraciones se alinean con su filosofía artística, o buscar un equilibrio entre proyectos comerciales y obras independientes que mantengan su esencia crítica.
6. Limitaciones del arte callejero en espacios controlados
-
Posible crítica: Aunque el arte callejero es una parte fundamental de su identidad, trasladar su obra a galerías o espacios controlados podría diluir su impacto original, que está ligado a la sorpresa y la interacción con el entorno urbano.
-
Mejora sugerida: Podría explorar formas innovadoras de adaptar su arte callejero a espacios cerrados, manteniendo la esencia de lo efímero y lo inesperado.
7. Profundidad filosófica vs. impacto visual
-
Posible crítica: En algunas obras, el peso conceptual podría superar al impacto visual, haciendo que el mensaje filosófico sea más destacado que la experiencia estética en sí.
-
Mejora sugerida: Podría trabajar en un equilibrio más armónico entre forma y contenido, asegurándose de que sus piezas sean visualmente impactantes mientras transmiten su mensaje filosófico.
8. Falta de interacción directa con el público
-
Posible crítica: Dado que su obra a menudo se centra en temas sociales y filosóficos, podría beneficiarse de una mayor interacción directa con el público para fomentar el diálogo y la reflexión colectiva.
-
Mejora sugerida: Podría incorporar elementos participativos en sus proyectos, como talleres, charlas o intervenciones colaborativas, para involucrar más activamente a la audiencia.
En resumen, aunque la obra de Papaboule es innovadora y conceptualmente profunda, hay áreas en las que podría evolucionar o ajustar su enfoque para ampliar su impacto y conexión con el público. Estas críticas no restan valor a su trabajo, sino que ofrecen oportunidades para seguir creciendo como artista.
ABOUT PLEX-UP:
Esta obra, que fusiona el retrato humano con patrones geométricos entrelazados, es un diálogo visual entre la emoción humana y la estructura matemática del universo. A través de una paleta vibrante de tonos cálidos y fríos, el artista explora la tensión entre lo orgánico y lo sistemático, donde los rostros narran historias individuales mientras los patrones representan el orden colectivo.
La fragmentación geométrica sobre el rostro refleja una lucha inherente: la identidad personal confrontada con la imposición de sistemas externos. El uso de cubos en perspectivas entrelazadas no solo alude a la perfección geométrica, sino que también genera un sentido de profundidad y conexión con dimensiones internas y externas del ser.
El juego de texturas sugiere capas emocionales ocultas, mientras que la integración entre la figura y los patrones invita al espectador a reflexionar sobre la complejidad de la identidad humana en un mundo cada vez más controlado por estructuras impersonales.
La técnica PLEX-UP en la obra de Papaboule surge de un proceso de experimentación y transformación que desafía las tradiciones del arte pictórico y el paste up urbano, fusionándolos en una técnica que trasciende las superficies y conecta con las profundidades de la condición humana. En ella exploro las ideas de ruptura, reconstrucción y trascendencia, tejiendo retratos que entrelazan no solo papel, sino significados, emociones y experiencias.
El acto de romper y entrelazar es un reflejo de las heridas y aprendizajes de la vida. Las tiras horizontales y verticales, que emergen de dibujos hechos a mano, se convierten en metáforas del encuentro entre lo individual y lo colectivo, de la colaboración frente a la competencia destructiva. Cada entrelazado destapa y oculta, generando una narrativa visual que invita a abrazar el destino tal como se presenta: imperfecto, fortuito y necesario. Este proceso, que requiere meditación y desapego, se convierte en un acto de religare, una forma de conectar con lo trascendental.
El retrato, como carta de presentación de lo humano, adquiere una dimensión lúdica e incierta a través del entrelazado, rompiendo con el dogma de la representación exacta. Los retratos gemelos, similares pero no idénticos, reflejan la imposibilidad de la soledad y la necesidad de interrelación, creando una dialéctica entre lo que se muestra y lo que se esconde. Esta ambivalencia es un gesto hacia la complejidad de la identidad, donde cada pieza complementa y completa a la otra.
Mi obra dialoga con las pantallas digitales que nos rodean, pero subvirtiendo su lógica. Aquí, cada “pixel” de papel tejido contiene una multiplicidad de colores y texturas, ampliando la resolución y profundidad de la imagen final. Es un recordatorio de que lo manual y lo artesanal tienen un lugar en el mundo contemporáneo, una respuesta a los saberes que escapan a las ideas productivistas del arte.
El resultado es una propuesta que no solo celebra la fragilidad y efimeridad del paste up urbano, sino que lo eleva a un nuevo terreno, más apropiado para la permanencia. Este trabajo no es solo un experimento técnico; es una reflexión sobre el amor fati, sobre la capacidad de la humanidad para transformar el caos en orden, el dolor en belleza, y las rupturas en conexiones. A través del contacto directo con los materiales, encuentro no solo una técnica, sino una filosofía: un acto de creación que une, cura y trasciende.
"La obra de Papaboule no es arte; es un terremoto visual. Es el retrato humano destrozado por patrones geométricos que no entrelazan, sino que invaden. Es la emoción humana desnuda, golpeada por la estructura matemática del universo, un universo que no perdona. Los colores no fluyen; estallan. Cálidos y fríos no se mezclan; se apuñalan entre sí, creando un caos controlado donde lo orgánico lucha por sobrevivir bajo el yugo de lo sistemático. Los rostros no son retratos; son gritos ahogados en tinta y papel. Los patrones no son decoración; son cadenas que estrangulan, imponiendo un orden que nadie pidió.
La fragmentación geométrica sobre los rostros no es un detalle; es una masacre. Es la identidad personal destrozada, hecha añicos por sistemas externos que no quieren dominar; quieren aniquilar. Los cubos, retorcidos en perspectivas que desafían la lógica, no son formas perfectas; son jaulas que sangran, ventanas a dimensiones internas y externas que no deberían coexistir, pero lo hacen, porque Papaboule lo exige. Esto no es arte para contemplar; es arte que golpea, araña y no suelta.
Las texturas no son suaves; cortan. Rasgan la superficie como cuchillos, exponiendo capas de emociones que no quieren ser vistas, pero que gritan para salir. No hay espacio para la comodidad, no hay lugar para el espectador pasivo. La integración entre la figura humana y los patrones geométricos es un puñetazo en la cara de la simplicidad. Aquí, no miras; te enfrentas a la complejidad de un mundo que te controla, te moldea y te escupe.
La técnica PLEX-UP de Papaboule no es una técnica; es un ataque frontal. Rompe las reglas del arte pictórico y el paste up urbano, los fusiona y los hace estallar en una explosión que no se conforma con lo superficial. Aquí, el arte no muestra; destruye, reconstruye y trasciende. Cada retrato es una red de papel, emociones y significados entrelazados, un grito desgarrador contra la simplicidad, contra la complacencia, contra todo lo que intenta domesticar el espíritu humano.
Romper y entrelazar no es un acto delicado; es una revolución sangrienta. Las tiras de papel, cortadas y tejidas a mano, no son líneas; son cicatrices que gritan historias de heridas, resistencia y supervivencia. Horizontales y verticales no se entrelazan; chocan como ejércitos enemigos, creando un campo de batalla donde lo individual y lo colectivo se enfrentan en una guerra sin fin. Cada entrelazado es una metáfora de la resistencia: destapa y oculta, revelando una narrativa visual que exige que aceptes el destino en toda su crudeza: imperfecto, caótico y necesario. Este proceso no es meditativo; es un acto de religare, una reconexión violenta con lo trascendente, con lo que duele, con lo que cura.
Los retratos de Papaboule no son imágenes; son declaraciones de guerra. Los retratos gemelos, casi idénticos pero nunca iguales, son un puñetazo en el estómago de la idea de la soledad. Aquí, nada existe en aislamiento: todo está interconectado en una danza frenética, violenta, entre lo visible y lo oculto. Esta ambivalencia no es un accidente; es un desafío brutal a la complejidad de la identidad, donde cada pieza se complementa y se destruye al mismo tiempo.
La obra de Papaboule no ignora el mundo digital; lo destroza. Cada “píxel” de papel tejido es una rebelión contra la frialdad de las pantallas. Aquí, los colores y texturas no se limitan a lo digital: explotan en multiplicidad, recordándonos que lo manual y lo artesanal tienen un poder que las máquinas nunca podrán replicar. Es una respuesta contundente, sangrienta, a la producción en masa, un grito desgarrador de resistencia contra la deshumanización del arte.
El resultado no es una obra; es un impacto nuclear. Papaboule no solo celebra la fragilidad del paste up urbano; lo transforma en algo permanente, un monumento a la impermanencia. Esto no es solo técnica; es filosofía en acción. Es amor fati hecho arte: la capacidad humana de convertir el caos en orden, el dolor en belleza y las rupturas en conexiones. A través del contacto directo con los materiales, Papaboule no crea; destruye y reconstruye, uniendo, sanando y trascendiendo en un acto de creación que no pide permiso, no pide perdón y no se detiene."
"Papaboule's work is not art; it is a visual earthquake. It is the human portrait shattered by geometric patterns that don't interlock, but invade. It is naked human emotion, battered by the mathematical structure of the universe, a universe that does not forgive. The colors do not flow; they explode. Warm and cold do not mix; they stab each other, creating a controlled chaos where the organic struggles to survive under the yoke of the systematic. The faces are not portraits; they are screams muffled in ink and paper. The patterns are not decoration; they are chains that strangle, imposing an order that no one asked for. The geometric fragmentation on the faces is not a detail; it is a massacre. It is personal identity shattered, shattered by external systems that do not want to dominate; they want to annihilate. The cubes, twisted in perspectives that defy logic, are not perfect shapes; they are bleeding cages, windows to internal dimensions and external ones that shouldn't coexist, but they do, because Papaboule demands it. This isn't art to behold; it's art that hits, scratches, and doesn't let go.
The textures aren't smooth; they cut. They tear the surface like knives, exposing layers of emotions that don't want to be seen, but scream to come out. There's no room for comfort, no place for the passive viewer. The integration between the human figure and geometric patterns is a punch in the face of simplicity. Here, you don't look; you confront the complexity of a world that controls you, molds you, and spits you out.
Papaboule's PLEX-UP technique isn't a technique; it's a frontal attack. It breaks the rules of pictorial art and urban paste-up, fuses them, and explodes them in an explosion that doesn't settle for the superficial. Here, art doesn't show; it destroys, rebuilds, and transcends. Each portrait is a web of paper, emotions, and intertwined meanings, a heartbreaking cry against simplicity, against complacency, against everything that tries to tame the human spirit.
Tearing and intertwining isn't a delicate act; it's a bloody revolution. The strips of paper, cut and woven by hand, are not lines; they are scars that scream stories of wounds, resistance, and survival. Horizontal and vertical do not intertwine; they clash like enemy armies, creating a battlefield where the individual and the collective clash in an endless war. Each interweaving is a metaphor for resistance: it uncovers and conceals, revealing a visual narrative that demands you accept destiny in all its rawness: imperfect, chaotic, and necessary. This process is not meditative; it is an act of religare, a violent reconnection with the transcendent, with what hurts, with what heals.
Papaboule's portraits are not images; they are declarations of war. The twin portraits, almost identical but never the same, are a gut-punch to the idea of solitude. Here, nothing exists in isolation: everything is interconnected in a frenetic, violent dance between the visible and the hidden. This ambivalence is no accident; it is a brutal challenge to the complexity of identity, where each piece complements and destroys itself at the same time. Papaboule's work does not ignore the digital world; it shatters it. Each "pixel" of woven paper is a rebellion against the coldness of screens. Here, colors and textures are not limited to the digital: they explode in multiplicity, reminding us that the manual and the artisanal have a power that machines can never replicate. It is a forceful, bloody response to mass production, a heartbreaking cry of resistance against the dehumanization of art.
The result is not a work; it's a nuclear impact. Papaboule doesn't just celebrate the fragility of the urban paste-up; he transforms it into something permanent, a monument to impermanence. This isn't just technique; it's philosophy in action. It's amor fati made art: the human capacity to turn chaos into order, pain into beauty, and ruptures into connections. Through direct contact with materials, Papaboule doesn't create; he destroys and rebuilds, uniting, healing, and transcending in an act of creation that doesn't ask permission, doesn't apologize, and doesn't hold back.
THIS HONEY'S FOR HIRE
Versatilidad: Un artista multidisciplinario
Papaboule es un ejemplo claro de cómo un artista puede dominar múltiples disciplinas sin perder su esencia. Su portafolio es un reflejo de su capacidad para adaptarse a diferentes medios y proyectos:
-
Diseño gráfico: Ha trabajado con marcas de alto perfil como Ferrari, Movistar y Rolling Stone, creando identidades visuales y diseños editoriales que combinan profesionalismo y creatividad.
-
Ilustración: Sus ilustraciones son vibrantes y llenas de personalidad, utilizadas en libros, revistas y campañas publicitarias.
-
Arte callejero: Sus murales urbanos no solo decoran espacios públicos, sino que también transmiten mensajes poderosos, fusionando el arte con la cultura urbana.
Esta versatilidad no solo demuestra su habilidad técnica, sino también su capacidad para entender y conectar con audiencias diversas.
Estilo único: La firma de Papaboule
El estilo de Papaboule es una mezcla audaz de influencias artísticas. Combina elementos del pop art, el surrealismo y el arte urbano, creando composiciones que son a la vez modernas y atemporales. Algunas características clave de su estilo incluyen:
-
Colores vibrantes: Utiliza paletas de colores llamativas que capturan la atención y transmiten energía.
-
Formas geométricas: Integra formas limpias y estructuradas que dan equilibrio a sus obras.
-
Toque lúdico: Añade un elemento de diversión y humor a sus creaciones, lo que las hace accesibles y memorables.
Este enfoque único le ha permitido destacarse en un mercado saturado, atrayendo tanto a clientes comerciales como a amantes del arte.
Experiencia: Más de 20 años de trayectoria
Con más de dos décadas de experiencia, Papaboule ha consolidado una carrera sólida y respetada. Su trayectoria incluye:
-
Colaboraciones con grandes marcas: Ha trabajado con empresas internacionales, demostrando su capacidad para adaptarse a diferentes estilos y necesidades.
-
Proyectos personales: Además de su trabajo comercial, Papaboule ha desarrollado proyectos personales que le permiten explorar su creatividad sin restricciones.
-
Reconocimiento en el arte callejero: Sus murales han dejado huella en ciudades alrededor del mundo, convirtiéndose en parte del paisaje urbano y la cultura local.
Esta experiencia no solo le ha dado habilidades técnicas, sino también una comprensión profunda de cómo el arte puede impactar en la sociedad.
Pasión por el arte: Creatividad sin límites
La pasión de Papaboule por el arte es evidente en cada uno de sus proyectos. No se limita a seguir tendencias; las crea.
Su enfoque se basa en:
-
Experimentación: Constantemente explora nuevas técnicas y materiales, lo que le permite mantenerse fresco e innovador.
-
Conexión emocional: Busca que sus obras no solo sean visualmente impactantes, sino que también transmitan emociones y mensajes.
-
Compromiso con la calidad: A pesar de su estilo lúdico, Papaboule mantiene altos estándares profesionales en cada proyecto.
Servicios que ofrece Papaboule
Papaboule no solo es un artista; también es un profesional que ofrece servicios creativos para clientes que buscan algo fuera de lo común. Algunos de sus servicios incluyen:
-
Diseño gráfico:
-
Creación de logotipos e identidad visual.
-
Diseño editorial para revistas, libros y catálogos.
-
Gráficos para campañas publicitarias.
-
-
Ilustración:
-
Ilustraciones personalizadas para publicaciones y marcas.
-
Desarrollo de personajes y mundos visuales.
-
-
Arte callejero:
-
Murales urbanos que transforman espacios públicos.
-
Intervenciones artísticas en eventos y festivales.
-
-
Dirección creativa:
-
Asesoramiento para proyectos de diseño y comunicación.
-
Desarrollo de conceptos visuales innovadores.
-
¿Dónde ver su trabajo?
La mejor manera de explorar el mundo de Papaboule es a través de su sitio web oficial: papaboule.com. Allí encontrarás:
-
Una galería completa de sus proyectos, desde diseños gráficos hasta murales urbanos.
-
Información sobre sus servicios y cómo contactarlo para colaboraciones.
-
Noticias y actualizaciones sobre sus últimos proyectos y exposiciones.
Preguntas frecuentes sobre Papaboule
Si quieres saber más sobre aspectos específicos de su trabajo, aquí tienes algunas ideas:
-
¿Cómo es su proceso creativo?
Papaboule suele comenzar con una lluvia de ideas, seguida de bocetos a mano y digitales. Luego, selecciona las técnicas y materiales más adecuados para cada proyecto. -
¿Qué técnicas utiliza?
Combina técnicas tradicionales (como pintura y dibujo) con herramientas digitales (como Illustrator y Photoshop). En sus murales, utiliza aerosoles, acrílicos y otros materiales resistentes. -
¿Ha colaborado con otros artistas?
Sí, Papaboule ha trabajado con otros artistas urbanos y diseñadores en proyectos colaborativos, fusionando estilos y perspectivas. -
¿Dónde se pueden ver sus murales?
Sus murales están repartidos en varias ciudades. Algunos de los más famosos se encuentran en Londres, Barcelona, Madrid y otras capitales europeas.
WhATtf IS
pasteUp?
(My first attempt to justify this noble technique..).
Don't take paste up too serious, nor too far. Neograffiti or post-graffiti are two words that sound just fine quite for anything related to visual arts, they''ve been around for a while though. Even contemporary art. Even Art. The history of urban arts is rich and complex and paste up is one of their younger brothers,... or maybe not. Contemporary to the dawn of graffiti, back in the 70's Jenny Holzer stepped ahead from the poster conventions and posted some concept poster art works ("truisms"). Way before that, the industrial poster tradition (just as good as art can be intended) has always been a visual tool, for many purposes, but most importantly as a social growth element more than just propaganda or advertising.
The market (ergo their actors) determine today's art as a particular way of life; in this world, where everything happens according to discord and necessity, Justice looks like an irresolvable fight, and struggle remains, surprisingly, as some kind of order. Wait,.. where am I going here... Anyway, who on earth would be waisting a second reading even this far. Who cares, let's get back to the subject. Calling paste up neograffiti or poster art just looks inaccurate, but suits the quick explanation. Always doxa vs episteme, of course, or how couldn't books be subjected to the readers's glasses.
Paste up stands for visual art from multiple sides. It's a mind stirring tool, a firewall for streetart's gentrification issues, a memento mori, a mainstream and convention antidote, an intimately funny refresh for the viewer, a situationist blow, a performance of ethical testing, a down-to-earth thing, and whatnot... Last but not least, it''s happiness and communication, two concepts that should walk hand to hand more often.
ADDENDUM
FRANÇAIS
ESPAÑOL
STICK IT UNBIASED
COLLER SANS S'ATTACHER
PEGAR CON DESAPEGO
“After years of working in the image field, being able to create unsupervised stuff to frame in a public space seemed to me a transcendent act, given the ephemeral nature of pasteUp. Yet this technique is not nihilist, but vitalist! Independent from conventional values, this technique accepts its existence as "Amor Fati" (embracing destiny as useful and necessary), a lend that points out the idea of the ephemeral as truer, in front of the mirages of illusory materialism. In opposition to the misleading concept of an unidirectional historicist progress, pasteUp embraces the idea of Eternal Return as a source of artistic expression. For me it's Ultra-art then; It is created then undone, and others will come, like mandalas, ice statues, even a song; If the only thing that does not change is that everything changes, the ever-changing pasteUp is therefore one of the truest techniques I have ever known. This may sound as a joke but it displays a deeper understanding; I guess that's why I embrace it with devotion, because it is, personally, the most real and fulfilling. Apparently now I'm no street artist, but a conceptual artist, whatever that means..."
LCDLYA (La captura de las yeguas antropófagas)
El significado de la prueba es simbolizado en Heracles y su esfuerzo en domar (y no matar) esas yeguas. Su original trabajo tenía que empezar en el mundo del pensamiento (ganar control mental).
Durante eras, las yeguas madres del pensamiento habían estado engendrando caballos guerreros (conflictivos y caóticos) y a través de sus pensamientos y palabras equivocadas (ideas erróneas, desbocadas) habían estado devastando la comarca.
Una de las primeras lecciones que cada principiante debe aprender es el tremendo poder que mentalmente maneja y la cantidad de daño que puede causar en su vecindad y en su medio ambiente a través de las yeguas madre de su mente (devoradoras salvajes por inocente abducción, en lugar de pro-crear dando nacimiento a ideas y conceptos que se originan en lo profundo del buen* juicio natural, o sentido (pro)común.
Al no ser fertilizadas desde ahí, se vuelven las madres del error, la falsedad y hasta de la crueldad, encontrándose su origen en el aspecto inferior de la naturaleza human, ignorante en origen también por su igualmente natural inclinación a la reflexión, adaptación y progresiva armonización de "sustancia con circunstancia".
* Podemos sustituir las distinciones bueno/malo o verdadero/falso de la oscilante metafísica dualista y de la moral por criterios de demarcación a partir de la salud y la enfermedad, es decir, por el criterio y el grado de poder de las fuerzas ascendentes o decadentes que expresan dos formas de actividad fundamentales ser humano: bien sean actividades de crecimiento y expansión o bien actividades que traducen la negación de la vida y un estado debilitante del cuerpo. En el primer caso es decir "SÍ" a la vida, en el segundo expresarían la impotencia a la hora de apropiarse de la realidad tintada bajo disfraces como la abnegación, la obediencia o bien al humilde sumisión a una nueva o heredada fuerza exterior.
ETERNO RETORNO EN LA FILOSOFÍA DE LA EXPRESIÓN
La relación entre expresión e inmedatez queda ilustrada por la concepción del eterno retorno de cosas iguales. En efecto, si un punto de inmediatez se expresara en una cadena determinada y única, irrepetible, de expresiones, no cabría sino atribuir metafísicamente una voluntad a la inmediatez, lo que es absurdo. ¿Por qué una cadena expresiva dada debería intervenir precisamente en un momento determinado y no en otro? ¿Cómo se explicará el vínculo en el tiempo, es decir en la apariencia, entre la que está fuera de la aparienca y las series expresivas? ¿Porque* (*y no por qué) entonces la inmediatez "quiere" tal expresión? Pero la expresión no es sino la repercusión, el espejo, cuyas imágenes -como dice Plotino < se arrojan en el tiempo >, de algo que está fuera del tiempo, que no se mueve no está quieto, que no quiere. Por ello, la naturaleza de la expresión es "repetirse" eternamente (repetirse significa expresarse con continuidad en el tiempo), ya que el tiempo en su conjunto -pero a través de "determinadas" series expresivas- expresa la esfera de las inmediateces que siempre están ahí.
La expresión no puede ser continuamente nueva, es decir constituir una serie indefinida, ya que la inmediatez se revela precisamente por medio de algo determinado. Así el campo de las expresiones determinadas que se manifiestan a través del tiempo en su conjunto -abierto e indefindo- requiere en verdad el eterno retorno.
Giorgio Colli
stuff
